Marco Lucchesi, nosso imenso poeta lírico hoje

Amador Ribeiro Neto

A editora Global, como parte dos festejos que celebram seus 50 anos, acaba de publicar o livro “Melhores Poemas Marco Lucchesi”, pelo qual tive a honra e a felicidade de ser o organizador.

O próprio poeta convidou-me para esta tarefa, atribuindo-me mais responsabilidade e alegria.

Conheço e convivo com sua produção poética há décadas e sobre ela escrevo e publico com ciência e paixão, pois sua poesia move-me, o tempo todo, a inteligência e o coração.

Para este volume redigi um longo ensaio, a título de prefácio. Percorri livro a livro, dentre os selecionados, para a escolha dos melhores poemas deste poeta de poemas sempre absolutamente belos.

Abra seu coração e deixe pulsar sua inteligência ao lado dele. Os dois – coração e inteligência – baterão juntos, num acordo leve e espontâneo, como a mão esquerda e a direita, na feliz comparação cabralina.

E estire-se na rede, na espreguiçadeira, na cadeira mais confortável, no sofá, ajeite-se confortavelmente num cantinho da cama, ou vá para seu cantinho de leitura, o importante é que preserve o conforto para ler por um bom tempo, quase sem parar, pois você terá diante de si, poemas sublimes, belos, cativantes, delicados mimos líricos, deste que é um dos maiores – senão o maior – poeta lírico que temos hoje no país.

Salve! e muitos obrigados, Marco Lucchesi.

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“A poesia de Marco Lucchesi é um dos memoráveis patrimônios de nossa produção artística. Ela vem tatuada na pele da mais fina sensibilidade. As revelações do mundo que opera, e a consequente instauração de uma linguagem própria, são luzes num mar jade sob azul celestial”

(Amador Ribeiro Neto, na quarta capa)

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Cacaso pagou caro por se ater à poesia marginal, da qual foi maior mentor

Amador Ribeiro Neto

Antônio Carlos de Brito, o Cacaso, um dos nomes mais importantes da década de 1970. Da Geração mimeógrafo, que imprimia seus próprios poemas ou se mobilizava em pequenas editoras. E que deu origem à Poesia Marginal: oralidade em primeiro plano, espontaneidade de linguagem, postura crítica diante do momento político do país, discurso quase sem ambiguidades. Exceto trocadilhos piadísticos, de fácil deglutição.

Cacaso era professor, poeta, crítico, desenhista, letrista da MPB. Bem informado, levou para a universidade a discussão sobre esta nova poesia que surgia no Rio. Abriu discussão contra o Estruturalismo, a linha teórica do momento e insurgiu-se contra a Poesia Concreta, depois de ter-se mostrado simpático a ela.

No poema “estilos de época” detonou: “Havia / os irmãos Concretos / H. e A. consanguíneos / e por afinidade D. P., / um trio bem informado: / dado é a palavra dado / E foi assim que a poesia / deu lugar à tautologia / (e ao elogio à coisa dada) / em sutil lance de dados: / se o triângulo é concreto / já sabemos: tem 3 lados”.

O interesse pela poesia marginal tem levado o mercado editorial a relançar poetas desta época como Chacal, Ana Cristina César, Francisco Alvim, Nicolas Behr, etc. Bem como a investir em novos poetas que têm seguido esta linha: Bruna Beber, Ana Martins Marques, Angélica Freitas, dentre outros.

Poesia Completa/Cacaso, da Companhia das Letras, além de reunir sua obra poética já pulicada, traz inéditos colhidos entre anotações de 23 cadernos do poeta, escritos entre 1977 a 1987, ano de sua morte aos 44 anos de infarto. Traz ainda sessenta das quase trezentas letras de canções em parcerias com Tom Jobim, Edu Lobo, Djavan, Toquinho, João Donato, João Bosco, Zé Renato, Francis Hime, entre outros.

Na seção fortuna crítica Roberto Schwarz descreve o poeta fisicamente associando-o à “estampa rigorosamente 68”. Heloisa Buarque de Hollanda comenta toda a produção de Cacaso e conclui que sua poesia tinha uma postura mais “cultural que literária”. Francisco Alvim destaca a ironia e a perfídia como formas de corrosão da epifania de sua poesia. Vilma Arêas tece crônica de memória pessoal. Mariano Marovatto estabelece a biografia essencial do poeta em poucas páginas.

O elo imediato entre vida e poesia levaram Cacaso a radicalizar a linguagem a ponto de eliminar, ao máximo, a ambiguidade. Contrariando as metáforas e metalinguagens que recheiam o livro de estreia (1967), de viés cabralino, drummondiano e eliotiano, agora o poeta escreve no poema que dá nome ao novo livro (Na corda bamba, 1978): “Poesia / Eu não te escrevo / Eu te / Vivo // E viva nós!”. A poesia deixa de ser representação e passa a ser a própria vida.  Sem dúvida, um paradoxo: a negação da poesia se dá enquanto a se redige a própria poesia.  

Poesia é representação, é linguagem. O problema reaparece quando o poeta busca no imediatismo a identificação vida-arte. Esta “pressa” leva-o a escrever uma série de poemas de resultado duvidoso.

É o caso de “orgulho”: “descreça / e apareça”. Ou “boêmia”: “Acho que hoje já é / Amanhã”. Ou “genealogia”: “A gente é o pai da gente”. Ou “amizade”: “O sexo não tem sexo”. Ou “oferta”: “A amizade não / tem preço”. Ou: “falando sério”: “Outro amor? Não caio mais”. Ou: “ré menor”: “fazendo versinho / querendo carinho”.

No entanto, tais recursos não encontramos nas letras das canções. “Dinheiro em penca” (com Jobim), “Dentro de mim mora um anjo” (com Sueli Costa), “Lero-lero” (com Edu Lobo), “Morena de endoidecer” (Djavan), entre outras, são belas letras que resultaram em antológicas canções.

Procedimentos do livro de estreia serão retomados em poemas do último livro publicado em vida, como “já já” e “tiau Roberval” e encontrados em poemas inéditos resgatados por esta antologia.

Cacaso era um bom poeta. Por submeter-se às normas da poesia marginal, da qual foi o principal mentor, pagou um alto preço.

Obra: Poesia completa/Cacaso – 1ª ed.

Autor: Cacaso

Editora: Companhia das Letras, S. Paulo, 2020

2 estrelas

Publicado na Folha de S.  Paulo/Ilustrada de 09/02/2021

Olhar agudo e mão leve de arrudA tecem poemas com música e significado

Gregório de Matos celebrando a unidade, apregoa num soneto: “o todo sem a parte não é todo / a parte sem o todo não é parte”. Século 16, o mundo busca a unidade em Deus, ou em alguma coisa. Mas quer ser uno.

O poeta arrudA, em lançamento recente, assume a fragmentação de nossos tempos e canta-a “à parte / toda essa apatia / à parte / em toda parte essa tal / de tecnologia / à parte / esse desgaste natural / de ambas as partes / nem sempre tão igual / à parte / um e outro desastre (…)”.

E segue falando de nossos desastres ecológicos, econômicos e pessoais num mundo sem eixo, sem norte, à parte, mas em toda parte, fragmentado.

Fragmentos de uma canção impossível é obra pensada desde sua estrutura interna até o projeto gráfico. Constituída por 50 poemas, sete partes, cada uma delas com sete poemas e um de abertura.

Na literatura, como nas artes, o número sete, cabalístico, sempre é impregnado de significações, bem como o um. A ideia de infinito e de unidade, respectivamente, permearão os poemas e o projeto gráfico. Ambas em conflito. Fragmentárias.

Os poemas se inter-relacionam num movimento elíptico interno em que cada qual possui um centro móvel que se comunica com os centros dos demais. À distância, as elipses iconizam vários planetas em movimento dentro de uma órbita.

Desta feita, a leitura dos poemas se torna intercambiável e os temas interpenetráveis. Como se depreende do fragmento citado, a musicalidade não é mero recurso metafórico do título –  ela habita o corpo do poema como uma camada de significação e beleza.

Capa, projeto gráfico, ilustrações internas assinadas por Gabriel Marcondes Egestos são um todo único que ora se fragmenta para abrir cada parte do livro, ora se une para compor a capa. O prefácio analítico e esclarecedor é assinado por Lucia Rosa, criadora e coordenadora do Coletivo Dulcineia Catadora, onde o poeta publicou 23 poemas de arrudA.

Os 50 poemas não têm títulos. São numerados de um a sete dentro de cada parte. Mas podem ser lidos independentemente: “nunca / estivemos / tão / próximos / dos nossos / ossos / nunca / chegamos / tão perto / dos nossos / desertos / nunca / fomos / tão íntimos / dos nossos / instintos / quando / te olho / aqui de dentro / nunca / fomos // tão infinitos”.

Quase sempre são uma longa estrofe seguida por uma pausa, uma segunda estrofe composta por um único verso que ocorre depois de leve suspensão rítmica.

Linguagem sintética, versos curtos, lirismo com rigor, rica apropriação de imagens do cotidiano, espontaneidade colhida com precisão e simplicidade. Tudo revelado como novidade do primeiro contato.

Assim é o olhar agudo e a mão leve, certeira de arrudA ao recolher planetas, estrelas, hibiscos, luas, sóis, girassóis, rios, calêndulas, ruínas, satélites, crustáceos, pássaros, planetas, terremotos, tecnologias, ossos.  Assim é a semântica do poeta: elementos da natureza, da cultura e do tempo. Fragmentados e inter-relacionados numa teia que ele tece com suave música e significados.

Seus versos podem ser lidos até o final da linha ou segundo o enjambement, que é o recurso literário em que um verso continua no seguinte pelo ritmo, sintaxe e sentido. Como arrudA despreza a pontuação, o uso do enjambement é um convite ao leitor para que a danças das elipses das sete partes do livro reverberem múltiplas significações. E a poesia espalhe-se numa galáxia de novas sensações e novos sentidos.

Num mundo fragmentado tudo se reorganiza plasticamente para o leitor no momento da leitura da poesia. Torna-se uno.

Publicado na FOLHA DE SÃO PAULO/Ilustrada 20.01.2021

Autor: arrudA

Título: fragmentos de uma canção impossível

Editora: Patuá, 2020

Cotação: 5 estrelas

Mostruário mundo: a poesia de Letícia Palmeira

Amador Ribeiro Neto

Letícia Pereira nasceu em São Paulo, em fevereiro de 1976. Mudou-se para João Pessoa em meados dos anos 80, cidade em que reside atualmente, e passou a escrever livros e diários de forma incessante. Além de publicar livros nos gêneros conto, crônica, novela e romance, a autora organizou e participou de diversas coletâneas e antologias.

Em 2019, com a publicação do livro “ Mostruário persa”, invadiu, à sua maneira, o vasto universo da poesia.

Escrever é o princípio, diz autora, sempre que é questionada sobre literatura em entrevistas.

”Mostruário persa” é delicado e encantador artefato desde o projeto gráfico. Daqueles livros pequenos, mas não tão pequenos a ponto de se colocar no bolso.  Nem do tamanho normal, a ponto de não caber confortavelmente na mão.

É de um vermelho pitanga na capa e possui um orifício de fechadura naquele ponto exato em que a fechadura se instalaria se a capa fosse uma porta. No orifício vê-se desenhado, a bico de pena, apenas o contorno de quatro objetos, cada um de uma cor, e circundando o olho mágico da fechadura, quatro arabescos que dançam destacando os nomes da autora e do livro. No centro de tudo, e embaixo, a vela, o ícone da editora Penalux, foi parar dentro de um candeeiro. Perfeito A imagem da capa é da Luyse Costa. Luyse é uma das grandes capistas do mercado editorial hoje.

Depois de vista e lida a capa, a Apresentação, assinada pela própria poeta, encerra-se com um convite: “Entre e encontre seu artefato”.

O leitor entra, desliza e deslinda-se em beleza. Encontra seu artefato logo de cara, e logo o perde porque encontra outro mais belo. E o perde também porque há outro, sucessivamente, mais belo. E, como numa espiral ascendente, perde, acha, etc. e etc., espiral afora.

No entanto, o leitor não somente está dentro de uma espiral, mas também dentro de um caleidoscópio que se move. Move-se e reflete. Reflete e refrata as partes.  As partes e o todo, tal como a poesia procede, age, atua. FAZ. A “poiésis” da poesia.

Tudo se move, reflete, refrata, dentro de um caleidoscópio, dentro de uma espiral… Transcinematográfico. Holocinematográfico.

Assim, “Mostruário persa” dá-se como um livro de poesia sobre a linguagem da poesia.

Mas também pode ser o contrário disso, nada disso, se estamos acostumados com poesia em verso, com poesia em imagem, com poesia visual, com poesia verbo-voco-visual, com poema em prosa, com proesia, com proema, com prosa porosa, com poesia rimada, com poesia de verso branco, com miniconto,….

Da mesma forma, se estamos acostumados com metalinguagem, como o poema referindo-se ao próprio poema, o poema enquanto objeto do próprio poema, e conceitos afins, talvez seja interessante repensemos também este conceito. Antes de mais nada, porque estamos repensando o conceito de poema, de poesia, a partir deste livro de Letícia Palmeira.

Em tempo: não nos propomos, e seria quixotesco fazê-lo, repensar tais conceitos aqui e neste exíguo espaço. E espaço de leveza (risos). Apenas toques.

O interessante é que Letícia Palmeira, com “Mostruário persa”, livro de poesia, coloca em cena tais questões. E aí reside seu mérito e seu nó górdio.

Nó górdio porque – e aqui recorro ao termo ‘texto’ a fim de não ser contaminado por nenhum outro já carregado ideologicamente – seu texto não se encaixa, “a priori”, nem em poesia em prosa e muito menos em miniconto.

O que se lê de poesia em prosa é, via de regra, prosa vazada por esfarrapadas características da linguagem poética. O resultado acaba sendo, na melhor das hipóteses, um poema ainda fortemente prosaico ou uma prosa carregada nas tintas da poesia. Em suma: um produto final marcado pela indistinção: não diz ao que veio. De Baudelaire, que inaugurou o estilo, aos mais duvidosos dos cadernos culturais digitais de hoje, como bem nota o poeta e ensaísta Paulo Toledo, é um “imbróglio” só.

Letícia Palmeira passa ao largo disso.

Seu mérito mora em fugir dos minicontos que buscam registrar em  micronarrativas, lapsos poéticos: o estranhamento, a ambiguidade, o andamento melódico, a construção icônica, etc. Resultado: querem unir a objetividade da prosa com a ambiguidade da poesia. Raríssimas vezes o hibridismo funciona. Na maior parte dos casos e causos, o produto é um ornitorrinco verbal.

Em “Mostruário persa”, o texto é uma narrativa, possui eu-lírico, e em várias passagens pode ser classificado como neorromântico. No entanto, não é piegas, não foge à realidade, não é saudosista, não é sentimental, não é onírico, nem edênico. Talvez seu romantismo repouse no elogio e na invocação que faz da inspiração, quando se levanta contra o uso puro, simples e frio da técnica. E no andamento imagético e rítmico de algumas passagens que remetem o leitor ao estilo clariceano, um estilo com tiradas neorromânticas.

No poema 3, intitulado “Dialética”, o leitor vai se dar conta de que a ironia é fino, elegante e sofisticado recurso da poeta.

A ironia, por si, companheira das dissimulações e prima das astúcias, está presente neste poema, desde o título e a epígrafe, que cito: “Escrever é liberdade de expressão / Liberdade vigiada / Mas não deixa de ser palavra / E palavra diz quase tudo / Ou quase nada”.

Na sequência, o poema enumera algumas características do escritor: o escritor quadrado, “da narrativa ensaiada e equilibrada com rede de proteção”. É o tecnicista, que não ousa nunca e, ao contrário, aplica os manuais de “bem escrever”, disciplinadamente. Outro tipo: o escritor plantonista instantâneo: capta a palavra que lhe vem à mente e não a trabalha. É o produto bruto, fruto puro de um “insight”. O terceiro tipo é o escritor ambivalente, aquele que adora um trocadilho barato. Não percebe que o trocadilho da literatura é de outra verticalidade. O quarto tipo é o escritor saliente. “Caminhando, fingindo displicência, cresce feito erva daninha. Esse tipo é aparente e enche a boca de dente e má-criação, invadindo a arte cheio de vaidade com seu clamor por ser aplaudido”.

E depois de citar os quatro tipos – curioso como ela não fica com os já canonizados “três tipos, três modalidades, três funções, três etapas, etc.” e nem completa os redondos “cinco”. Prefere morrer nos “quatro”, talvez para ironizar a “tradição”. E então conclui com uma frase bombástica que lhe rende um único parágrafo:

“O mundo está cheio de nós”.

Bem entendido: nós enquanto pronome pessoal (e aí o eu lírico se incluiria, ironicamente) e nós enquanto substantivo (funcionando metaforicamente) – outra ironia, que envolveria escritores e leitores.

Finalmente, depois de breves considerações, conclui seu poema com essas tiradas: “Eu, por defesa, jamais me denominaria escritor. Não é meu ofício. Tudo o que faço é ´por distração, pois sou prolixo, genioso eu-lírico, e escrevo apenas pra esboçar sorriso frente à plateia de prontidão”.

Poesia da mais fina cepa. Metalinguagem, linguagem e significado. Tudo somado em alta voltagem. Tem o que dizer, tem a forma de dizer, tem o modo de se comentar.

Enfim, o leitor lê, se diverte, se instrui, sabe mais, tem mais.

Sente que o que lê tem mais sabor, dá mais prazer.

Literatura é isso aqui.

Entre neste mostruário e vá escolhendo seu artefato. Agora foi o poema 3. Entre mais.

O poema 5, intitulado “Artesã” é um rol de promessas feitas a si próprio pelo eu-lírico. E a cada atividade exercida, o leitor vai vendo nascer à sua frente um eu metamorfoseante e bem curioso. Religioso, conservador, piegas, infantil, doce, humilde, ingênuo, etc., até que se depara, por exemplo, com um empenho assim: “vou expandir minha contínua hipérbole de ser”.

E algo soa estranho. Fora do lugar. Fora da ordem. Fora do pensamento. Fora do trivial. “A hipérbole de ser”:  o que significa? Se “ser” já é uma grande questão existencial, para não dizer filosófica, que dizer da “hipérbole de ser”? E abrindo mais o verso: “minha contínua hipérbole de ser”. Há, então, um projeto continuado da hipérbole de ser? E abrindo todo o verso todo: “vou expandir minha contínua hipérbole de ser”. Esta promessa de explosão galáctica de ser, lança o eu lírico para além do que enunciado, já que a reverberação sonora (com licença, leitores, mas não é complicado e é rapidinho….) eu dizia, a reverberação sonora da bilabial de /p/ e /b/ em “ex/P/andir” e “hi/P/ér/B/ole” associada às toantes (= vogal tônica) em /i/ de “expand/I/r”, “m/I/nha”, “cont/Í/nua” lançam o objeto-desejo para esferas nunca dantes sonhadas, para espaços siderais ainda mais infinitamente infindos.

Escute o som mudo das bilabiais /P/ e /B/ associadas às vogais tônicas agudas /I/ no espaço sideral.

Agora pense no ganho de ambiguidade de sentido das palavras associado à musicalidade, a imagética poéticas.

Pronto. Eis a força da poesia, seu tempo, lugar, espaço, aço e flor.

Eis o diferencial da poesia de Letícia Palmeira e seu “Mostruário persa”.

Há tantos artefatos neste mostruário que ele já é armazém, venda, empório, vendinha, casa sertaneja, mercado, entreposto, alojamento, casa, museu. Morada da palavra. Morada da palavra. Morada do ser. Morada da poesia.

Ficar de olho no olho mágico da porta, no portal da capa do livro é um eu e eus nos acudam, deus nos livre-livro nos seduz e por isso portas se descortinam abertas. Signos se alçam no ar de cada arabesco, feito em sol, em sonho, em si. A realidade pede mais. A poesia, matéria viva, em beleza estende a mão. Na mão um livro pulsa. A poesia toda pulsa. No meu peito, no meu coração, na minha mente. No peito e no coração siderais, espaços infinitos afora. Ninguém segura a belezura da poesia sem dono deste mundo redondo sem fronteira.

Irresistivelmente gostosa

Amador Ribeiro Neto

Rosana Piccolo é poeta paulistana inquieta, provocativa e inovadora.

Nunca havia lido um livro seu, até que me caiu nas mãos “Bocas de lobo” (Patuá), num desses envios gentis do Eduardo Lacerda. De cara ela escancara o mundo dos usuários crack, os vaga-lumes vagando, no cenário de devastação urbana de uma tristíssima São Paulo, cidade tomada como tema do livro. E me ganhou de cheio.

Rosana Piccolo (São Paulo, 1955), é formada em Filosofia pela USP e em Jornalismo pela Cásper Líbero. Além de “Bocas de lobo” (2015), publicou “Ruelas profanas”(1999), “Meio-fio” (2003), “Sopro de vitrines” (2010), “Refrão da fuligem” (2013) e “O pão” (2018). Todos de poesia. “Alla prima” (2019, Patuá) é seu mais recente livro.

Depois de lido o livro recebido, saí atrás dos demais. Por isso digo: Rosana Piccolo é poeta de uma obra de leitura imprescindível, apaixonante, inquietantemente gostosa e arrebatadora.

Ela não se cansa de reinventar-se. E de nos cutucar em nossos sentimentos e criações.

Criações de arte, de poesia, de vida.

“Alla prima” é uma antologia do que a própria poeta considera o mais representativo de usa produção. Além de poemas inéditos. Tudo reunido indistintamente. Misturado. Quem não conhece a obra de Rosana não distingue o inédito do publicado. Não faz mal. Critério único: qualidade poética.

Poesia em sincronia. Poesia em sintonia. Poesia em harmonia.

O resto que se exploda.

Rosana Piccolo quer mais galáxias e estrelas em redes infinitas de gozos sígnicos. Corpos em cópulas.

Num primeiro momento, como no primeiro sexo, o leitor pode perder o chão. Não por desorientação. Mas por encanto imenso. A perda do referencial por imersão total nele. A perda de si por adentrar-se absoluto no outro. E o alter. É a poesia.

Esta entrega, por um instante, é o “inestante”.

Dura um quanto imensurável.

Tempo. Tempo. Tempo. Um senhor tão bonito quanto a cara do Bernardo, meu filho.

Eu vivencio esta belezura pura pureza.

Puro azul celeste celestial.

Você vive esta belezura pura pureza.

Puro azul celeste celestial.

Sem saber.  Sem sabermos. Imersos nela.

Total. É a poesia da Rosana Piccolo. A seda azul do papel que envolve a maçã.

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“Cerimônia do chá”

Em uma dessas vitrines, dubiamente iluminadas

pela hora mágica, pode ser visto o tatame.

O braseiro rivaliza o pôr do sol. Fumega o incenso,

fumega sem fim. A caligrafia da chuva já foi removida.

Rente à parede, nasce o ikebana da nova estação.

Possível ver os convidados, três ou quatro.

E o gestual do anfitrião – lá fora assoviam sacis,

arrepio no crânio das cerejeiras. O vaso, a cumbuca,

utensílios de nome poético foram retirados do recinto,

de entrada tão pequena que o samurai aí se agacha,

espadas do lado de fora.

O chá é vulcão adormecido: por um tremor derrama

o perigo, e queima, e dói, e não é? Há também a estampa

dos quimonos, cuja flor é tão perfeita que a natureza

não soube imitar.

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A poesia de Rosana Piccolo tem a força mágica de lançar o leitor no vaivém intergaláctico das mais inusitadas combinações de: 1) sentidos; 2 sensações); 3) músicas; 4) formas; 5) ideias; 6) gozos; 7) complete você mesmo… 

O leitor estanca para, passo seguinte, emergir-se em alumbramento.

Este auto-encontro entre o que sente perceber e o que percebe ser, desenha uma dinâmica que, ah!, susta-lhe a respiração – ora em fôlego curto, ora sem fôlego algum.

Magia medra o devaneio. Mas também a certeza.

Quem sabe o que é poesia, quem penetra seus mistérios e materialidades, seus meandros e geometrias, quem penetra suas reentrâncias e saliências, convive com sua essência, sua rarefação e concreção, seu gole de absinto e porção de alfenim. 

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“Diário do dia”

O dia chega aos trancos, nas presas da serra elétrica.

Com negra gordura vela o semáforo, britadeiras

latejam no chão difícil. Detém-se no arranha-céu.

E empilha suas dentaduras de prata.

Chega estridente. E vocifera, e machuca a manhã

de tímpanos frágeis. Na chaminé desabafa,

mistura gel e fumaça – penacho de pressa

nos cafés expressos.

O dia saliva nas filas. No comedouro do meio-dia

e meia, onde a carne esfria; e se requenta

em banho-maria.

E desaba. E pisoteia letreiros, esquinas desencantadas.

E se enrodilha nas placas como fio embaraçado. E se

estica, e se esgarça

meu coração aos soluços.

Enfim o rapto da noite – ascende em bicicletas

e pombos recolhidos – na praça dos meu lagos,

onde enterro o céu no chão.

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Às galáxias destas sensações e maravilhamentos vêm somar-se a estupefação e o encanto dos que são tomados pelo amor.

1. Amor à linguagem da poesia, antes de tudo.

2. Amor à vida, acima de tudo.

A coreografia dos signos em dança desenha, passo a passo, passo sim, passo não, o compasso & o descompasso das: (a) ideias; (b) sons; (c) imagens.

à tudo em close à tudo em uníssono à tudo em foco à tudo uno & múltiplo & plural.

PORQUE em Rosana Piccolo, cada poema é sempre lido como o primeiro, o inicial, o único. Mesmo que já lido, é como se pela primeira vez, tal seu grau de inventividade. Mesmo que você o conheça, lê-lo é partir do grau zero da leitura. E isso o faz obra prima, isso o faz ser como o primeiro, daí o título desta antologia que já nasce admirável.

Lê-se Rosana Piccolo e sente-se inspirado. Com vontade de fazer poesia – se você já é poeta ou com vontade de ser. Ou se você está lendo o Correio das Artes, isto já é um sinal de que você lê livros com muitas coisas escritas, considera a arte e os artistas importantes e etc. e tantas coisas óbvias mais…

Voltando. O leitor sente-se inspirado ao ler Rosana Piccolo, tal como desejava o querido Valéry, para quem o poeta não tinha de se sentir inspirado. Isso não dizia muito para fazer boa poesia. Sentir é pouco. É preciso dominar a arte da linguagem da palavra para fazer poesia. Se sentir bastasse, os bares estarias lotados de excelentes poetas. E não é bem assim. Mas esta é conversa para outro CEP 20.000.

Rosana Piccolo faz poesia à flor da pele & à flor da mente. O intelecto premiado pela sensibilidade de formas que informam e seduzem. Ideias em parceria com os sentimentos. Inventividade e emoção. Por isso vale a repetir, leitor: eis uma poesia inovadora e irresistivelmente gostosa de ser lida – melhor: irresistivelmente gostosa de ser devorada.

Publicado em CORREIO DAS ARTES de janeiro de 2020, Ano LXX, Nº 11. Suplemento Literário do Jornal A União. João Pessoa-PB, p. 23-24.

A máquina de existir, de Fabrício Marques

Amador Ribeiro Neto

 

Fabrício Marques (Manhuaçu-MG, 1965) é mestre em Teoria da Literatura e Doutor em Literatura Comparada pela UFMG. Professor, jornalista e poeta. Autor de Marquises (1992), Samplers (2000), Meu pequeno fim (2002), A fera incompletude (2011). A máquina de existir (S. Paulo: Pedra Papel Tesoura, 2018) é seu mais novo livro de poemas.

O que se destaca, de chofre, ao término da leitura de A máquina de existir, é a gratificante sensação de ter-se lido uma obra que mantém a excelência da qualidade dos poemas de ponta a ponta. E, ao fazer tal afirmação, reitero a observação do saudoso Carlos Felipe Moisés nas orelhas.

Destaco este aspecto porque já é lugar comum afirmar-se que todo livro tem seus altos e baixos. Praticamente impossível fugir desta destinação. Pois a poesia de Fabrício Marques atinge a maturidade. E o leitor é o grande presenteado.

Com poemas longos, bem longos, outros mínimos, um poema em prosa (proesia), e numa variedade temática que vai das memórias familiares ao sexo com a amada, passando pelas tecnologias (seus recursos, sua terminologia), o livro é uma máquina de engendrar sensibilidades inteligentes.

A linguagem dialoga com a literatura (Drummond, em especial, Bandeira, T. S. Eliot, Valéry, Mário Faustino, Affonso Ávila, Leminski), a música popular (Caetano, destacadamente, mas também Gil, Torquato), as artes plásticas (Hélio Oiticica, Volpi), filosofia (Ortega y Gasset, Nietzsche).

Na composição dos poemas a estrutura está, de tal modo bem incorporada às ideias que, praticamente, passa despercebida. Mas, lá estão, em intertextualidade formal, recursos advindos de diferentes artes: cinema, arquitetura, canção, pintura.  Antonioni, Saura, Le Corbusier, Cartola, Tarsila.

A dicção drummondiana, ora às claras, ora oblíqua, talvez seja a dominante do livro. O grande poeta mineiro é invocado no ritmo dos versos, na invocação do universo familiar e, acima de tudo, na percepção corrosiva da vida. Corrosão que, por vezes, traveste-se de ternura, para amenizar seu impacto. Mas resulta, sim, em amplificação da angústia.

O poema “Uma noite” inicia-se esperançoso: “Ela voltará para casa / e eu a reconhecerei de longe”. E conclui-se de forma aterradora: “Por ora, / todos a procuram / num raio de 16 quilômetros”.

“Deslimites” crava a dor da mesma clave: “Vida, / estamos quites: // você ignora / meus palpites”. E conclui: “infinita- / mente // triste”.

Em “Pólen”, a estagnação da natureza estende-se pelos sentimentos do eu-lírico: “A árvore não cresce mais / e o amor também acabou”.

Esta ausência do amor presentifica-se até quando ele existe, mas não encontra sua expressão em palavras. Transcrevo o poema “Apenas três”:

 

 

 

Consta que a língua portuguesa

tem em torno de 400 mil palavras,

e eu preciso de apenas três

justo as que me faltam

as que não consigo dizer.

 

 

 

Em contraponto à decepção/desilusão do existir há os movimentos de uma máquina que engendra sonhos. E aí o amor surge como “o eixo da vida”, nas palavras de outro orelhista, o Tarso de Melo. Depois de enumerar as dificuldades do existir, no poema que dá título ao volume, conclui: “a luz vai brilhar / como um vagalume / que só acende”. Portanto, não apenas haverá uma luz, mas haverá uma luz contínua a mover a máquina da vida. Afinal, depois de citar textualmente Caetano no poema “Mais-valia”, conclui enfático e otimista, referindo-se a famoso poema de Coelho Neto: “eu escolho ser a chuva / que lentamente dissolve, / fibra por fibra, / as geleiras seculares”. Em tempo: poema resgatado por Torquato Neto em celebrada canção edipiana.

Se há um painel semiótico de artes englobadas pela poesia de Fabrício Marques, sem dúvida a poesia cantada da MPB, ao lado da poesia impressa dos livros, é forte marca d’água a tatuar as fendas dos poemas.

Caetano, explícito em “Mais-valia”, reaparece sutil em “os átomos todos”, de “Felizes”, e em “Totem para o homem zapping”: “sou uns / sou uns e outros a seu dispor”, e oblíquo em “fruta gogoia”, música do folclore baiano imortalizada por Gal, em gravação sugerida por Caetano.

Afora tais aspectos estruturais e estruturantes de A máquina de existir, há versos memoráveis que colam na memória do leitor. Destaco dois: 1. “pra quem está no escuro, tanto faz o sotaque da lua”; 2. “amanhã é domingo, floração de incertezas”.

Enfim, Fabrício Marques publica belo e delicado livro de poesia. Sorte nossa, seus leitores. Transcrevo três poemas.

 

 

CAMADAS

 

Há o mar

 

E dentro do mar

há a nuvem,

pronta para partir.

 

Dentro da nuvem

há uma concha.

 

Dentro da concha,

o que eu mais amo,

pura pérola.

 

Lá dentro do amor,

mil variações de amor.

E dentro das diversidades

há a chuva.

 

Há a chuva.

 

Eu caio

e, dentro da queda,

me levanto em pleno azul.

 

Dentro do azul,

o movimento dos barcos

e a solidão da gávea.

 

Longe e perto

a praia imensa

no país do céu exíguo

 

As longas hastes

de seus dedos tocam

a morada do ser

 

A concha descansa

em alto mar

ora em suas margens

ora lá no fundo

 

E no fundo do fundo

do mais dentro

o silêncio

 

E dentro do silêncio

o abismo

que toda palavra contém

 

a onda perfeita

a pura pérola

o mar

 

sempre recomeçado

 

 

 

DESLIMITES

 

Vida,

estamos quites:

 

você ignora

meus palpites

 

eu aceito

teu convite:

 

cultivar

meu apetite

 

de satélite

que insiste

 

lançar-se

sem limite

 

rumo a tudo

que existe

 

no espaço

entre mim e ti,

 

infinita-

mente

 

triste

 

 

 

 

 

ENQUANTO DORMES

 

Enquanto dormes, sem que percebas,

reparo teu sono: teu corpo, meu mundo.

A luz da arandela incide sobre a movimentação

rochosa do granito, o quarto mudo,

 

eu me pergunto: o que se passa? Teus

200 ossos a me convocar em vário ritmo:

a carne é franca. Ossos não mentem,

a carne é franca, a repetir num rito.

 

Ave, palmas breves; ave, flexor do hálux;

salve, pectínio: tua pelve, minha praia.

E no tumulto do sangue, ave, valva;

salve, átrio; e se joguem na pista, na veia, na raia.

 

Enquanto dormes, amo teu esplênio,

o escaleno anterior e o posterior, dando voltas

– o que se passa? As articulações estalam,

um involuntário sorriso: teu riso, mil volts.

 

Muito acontece enquanto dormes:

vértebras e tendões se entendem, sem áporos;

músculos profundos dialogam,

e amo tudo o que se passa sob teus poros,

 

aqueles mesmos que envolvem, lâminas de tecido,

teu corpo, e respiras, entreaberta fresta,

e me convidas para a algazarra de seres vivos

a que serves de abrigo: teu corpo, uma festa.

 

O movimento rápido dos olhos. O movimento

rápido das pernas. Pra que tanta pressa,

meu Deus? Se fatalmente te sei por um

és-não-és, digo, por um triz, tão presa

 

a mim e ao mesmo tempo tão alheia

ao meu lento escrutínio: teu sono, meu garimpo.

E, não só com os olhos, mas com todos

os sentidos, teu corpo desço e grimpo

 

Súbito, me lembro: hoje, mais cedo,

comeste fruta gogoia. A lembrança brusca

do alimento se aventurando por teu corpo,

a começar do véu palatino, em busca

 

de sossego, de um final remanso onde se dissipe

(o que se passa?) em breves rusgas

enquanto dormes, e é estranho, mesmo para mim,

o crescimento imperceptível de rugas

 

e distraio-me por um segundo, mas retorno

a teu corpo, que nunca é o mesmo: meu pódio

acolhendo uma grande família: prócero,

esplênio e ilíaco, amo vocês, sem réstia de ódio.

 

Teu corpo em repouso, a carne é franca

e fracas são as horas em demasias de relógio.

Aqui, neste quarto, sob o comando de lobos

e hemisférios, enquanto dormes elogio

 

teu corpo em repouso, uma senha – não

para confundir as leis que regem teu sonho –

mas para salvar a desusada emoção

com que penetrei fundamente no teu sono

 

pois sei que estás para acordar, e a mim

só resta o arrepio do toque, apenas sobra

o gesto de deitar em teu colo, doce

e úmida província: teu corpo, minha obra,

 

aquela mesma que com mil chamas

permanece alheia a um mundo em que tudo ruísse

e ainda assim vibrássemos em paz,

até que despertasses, e o teu corpo todo risse.

 

 

 

Rebis, de Marco Lucchesi

Amador Ribeiro Neto

 

A poesia de Marco Lucchesi é um dos memoráveis patrimônios de nossa produção artística. Ela vem tatuada na pele da mais fina sensibilidade. As revelações do mundo que opera, e a consequente instauração de uma linguagem própria, são luzes num mar jade sob azul celestial.

Esta poesia mergulha no leitor e sustém-no intensa e profundamente. Feita de parcas palavras e exuberantes ideias, suas imagens visuais e sonoras, transporta o leitor deste mundo para outro mais dentro dele. A seguir, lança-o pra outro mundo – galáxia da estupefação gerada e regida no trabalho com a linguagem.

Não há como ler Marco Lucchesi e não ser tomado/possuído pelas filigranas que tecem e imantam os meandros da ourivesaria da palavra.

Palavra nuclear. Palavra epifania. Palavra: ser, morada e essência desta poesia.

A respiração alteia-se. O corpo responde à grandeza de imagens arquitetadas na fruição do amoroso gesto da leitura.

Fruição, gozo, prazer de ler e sentir-se, paradoxal e concomitantemente, no centro do território e na zona limítrofe – do coração e do cotidiano.

Esta poesia é a suspensão do trivial – ainda que, este, necessário. É o elevamento das funções essenciais da vida ao êxtase do enleio. Maravilhamento.  Iluminação.

A mente projeta-se num tapete voador. O coração amalgama-se à cabeça. O corpo todo é redemoinho de delícias, delírios, decisões.

O leitor sente, emociona-se. E não perde o fio da meada. Continua atento e forte. Livre, leve e solto.

Rebis: leitura que nos alça ao mundo da memória e do imaginário. Da história e do sonho. Pasárgada aqui e lá. Uma poesia que une, reúne, argamassa acaso e organização. Sentimento e raciocínio.

Poesia cujo pulsar instaura-se nos volteios entre arfar e refletir.

Um dos perigos que o poeta corre, lembra-nos T. S. Eliot, é perder-se nas emoções. Não que elas sejam dispensáveis. “Mas”, diz Eliot, “o objetivo do poeta não é descobrir novas emoções, mas utilizar as corriqueiras e, trabalhando-as no elevado nível poético, exprimir sentimentos que não se encontram em absoluto nas emoções como tais”.

Poesia, então, é trabalho com a linguagem. É trabalho de coeficiente poético. Ou seja: a palavra e suas manifestações literárias. A palavra e a revelação, não do novo, mas de algo que se faz novo pelo modo tal como é revelado – na percepção de Chklóvski.

Prossegue o poeta de The waste land: “A poesia não é uma liberação da emoção, mas uma fuga da emoção. Não é a expressão da personalidade, mas uma fuga da personalidade”. E conclui regiamente: “Naturalmente, porém, apenas aqueles que têm personalidade e emoções sabem o que significa escapar dessas coisas”.

Marco Lucchesi, em toda a sua produção poética – e Rebis reafirma isso –, sabe valer-se da mais sublime emoção com o mais rigoroso trabalho com a palavra. Nada escapa ao seu zelo com o melhor da linguagem. Faz uma poesia que toca fundo no leitor porque o que conta é a expressão, o modo, a carpintaria do poema. Trabalho este nascido da relação do poeta com a grande poesia de nosso tempo. E com a poesia canônica.

A poesia de Lucchesi dialoga com o passado por presentificá-lo numa da linguagem literária atemporal.

Retomando Rebis. O título do livro é palavra derivada do latim res bina, que significa duas coisas, matéria dupla ou, simplesmente, duplicidade. Rebis significa igualmente magnum opus – ou seja, grande trabalho, grande obra.

A grande obra, geralmente originária de estágios conflitantes, ou mesmo estágios opostos, atinge, ao final do processo, a harmonização. Seria, para Jacques Monod, guardadas as devidas restrições (e polêmicas), algo como o processo que vai do caos à sistematização da necessidade organizadora.

Outra possível  significação para o termo rebis encontramos na mitologia grega. Hermafrodito, filho de Afrodite e Hermes, nascido homem, rejeita o amor de uma ninfa. Esta, por vingança, invoca os deuses para que a unisse, em um só corpo, a Hermafrodito.

Esta duplicidade, este processo contínuo e ambíguo, que permeia a gênese semântica e mitológica do termo rebis, é tomada, por Lucchesi, como um dos mananciais de seu livro. Algo como afirmar que a linguagem da poesia não se (p)rende a um só corpo, sexo, desejo. Ou seja, é grande obra em aberto. Ou, como preconizou Haroldo de Campos, antecipando Umberto Eco, é obra aberta.

Em resumo, a poesia desenvolve um arco que vai da duplicidade, da ambiguidade, do caos à harmonização. Rebis dá-se como este processo conflituoso e, por fim, harmônico.

Certamente por isso o volume encerra ilustrações e projeto gráfico, assinado por Zenilton Gayoso, que exploram os interstícios dos poemas. Seu primoroso trabalho plástico e gráfico é conversa inteligente com os poemas. Confere ao volume o status dúplice de livro de poesia e livro de artista, concomitantemente. Impressos em papel especial, os volumes, numerados e assinados pelos dois artistas, trazem a capa costurada manualmente e o título espelhado, como se diante de poça d’água, rio ou mar.

Rebis, de Marco Lucchesi, é abrigo da mais fina, sublime e tocante poesia. Livro-casa de um mundo que se entrega ao leitor na calmaria de versos desenhados nos brancos da folha. Versos dançarinos em ritmos e harmonias vários. Versos que se desdobram, desmancham-se e desvendam a beleza do sonho e da vida. Porque Rebis é esvaecimento e materialidade. Contenção e gozo.

 

Imerso na beleza lírica desta poesia, encerro com a transcrição de um poema.

 

 

NÃO HÁ SEGREDO

ALGUM NO CORPO DA

PALAVRA

 

OU ANTES

AO COMBINÁ-LA COM VERBOS

E LICORES

 

AO DISSOLVÊ-LA EM

SERPES

E DRAGÕES

 

AO SUBLIMÁ-LA

EM VIVOS

ATANORES

 

TRANSMUTA-SE A

PALAVRA

NO REBIS MISTERIOSO

 

 

 

 

 

Berimbau de lata, de Tânia Lima

Amador Ribeiro Neto

 

Tânia Lima (São Luís-MA) é poeta e professora de literatura do curso de Letras da UFRN. Publicou Pedra do sol (1996, prêmio SESC-Rio), Bela estrangeira (2001, prêmio Xerox do Brasil), Nus mangues (2003, prêmio “Descoberta da Literatura  Brasileira”, da revista Cult). Faz parte de lutas feministas e antirracistas. Berimbau de lata (Natal: Ed. Sebo Vermelho, 2016) é seu mais recente livro.

A poesia de Tânia é minimalista – ainda que Berimbau de lata traga um longo poema em prosa. Mas mesmo aí a poesia é condensada, numa riqueza de imagens admiráveis e inusitadas. A discursividade também pode ser minimalista, nos lembra Pound: basta centrar-se na condensação das ideias.

Além do minimalismo, o inusitado é uma das faces desta poesia. Inusitado entendido como revelação alumbrada do que, até então, nos era trivial. Assim, a simples concha do mar, que reproduz o som das ondas maravilhando nossos ouvidos de criança, ganha a sedução de outro som, inesperado,  encantador:

 

mar desvirado

concha acústica ecoa

primeiro som do mundo

maracatu de palavras

 

A criação do mundo pelo som tribal dos maracatus, junto ao som primevo das palavras. Octavio Paz nos lembra que a poesia preexiste à prosa. Antes de contar histórias ao redor do fogo o homem já cantava e dançava em musicalidade poética.

O Marco Zero (local de chegada  dos holandeses a Pernambuco) tem mãos que são lidas por uma cigana. Personificar coisas e tomar substantivos como verbos são dois recursos que esta poesia explora com maestria.

No poema “Pra Lia de Itamaracá” os instrumentos musicais transmutam-se em verbos. O resultado é a presença concomitante da ideia de essência do instrumento com a ressonância ágil de sua ação. Não somente a carga da palavra substantiva, mas também o movimento do verbo conjugado.

 

realejo partituras de palavra

retiro som de rabecas

triangulo as flautas de pífanos

misturo ritmos de violino às

bandas de percussão

 

 

Em “Tambor de crioula” temos:

 

Nascem lantejoulas

no sol da zona da mata

caboclo de lança

dedilha para uma tocata

Ogum solfeja pra Iansã

cigana lê as mãos do Marco Zero

Zumbi e Urucungo

chocalha tambor-de-crioula

reco-reco de agogô

alfaia começa BATUCADA

 

A mistura de culturas afro-ameríndias é uma das dominantes deste livro. E o uso das onomatopeias reitera a dimensão rítmica da musicalidade dos poemas. Musicalidade que, aqui, configura-se, prioritariamente africana. E daí rendendo raízes para a cultura nordestina, marca forte do livro.

 

ALFAIAS

Para Naná Vasconcelos

 

!  !

pan-dan-dan-dan-dan

pan-dan-dan-dan-dan

pan-dan-dan-dan-dan

pan-dan-dan-dan-dan

pan-dan-dan-dan-dan

pan-dan-dan-dan-dan

 

As onomatopeias são associadas às inversões espaciais (os conhecidos quiasmos), bem como às anáforas (a repetição de palavras no início, meio ou final do verso). Tais recursos de linguagem imprimem musicalidade tanto pela semântica dos vocábulos, como pela espacialização deles nos versos. A homenagem a Jorge de Lima enfatiza a excelência de qualidade de sua poesia. Assim como pela incorporação que o poeta opera com as culturas afro e nordestina:

 

ESSA NEGA FULÔ

 

rebola os pixains

bum-bum-bum

Qui-ti-bum bum-bum-bum

pandeiro bate-bate

bate-bate tamborzim

tamborzim bate-bate

com(passos) sincopados

maracatu baque solto

atabaque bate-bate

bate-bate zabumba

maracatu baque virado

bum-bum-bum

Qui-ti-bum-bum-bum

maraca(tu)

 

O leitor certamente já se deu conta de como Oswald de Andrade, com sua efervescência antropofágica, faz-se presente em Berimbau de lata.  No poema abaixo, sem título, o irreverente modernista salta no ritmo do maracatu. E bem poderia ser da capoeira:

 

maraca (eu)

Qui-ti-bum Qui-ti-bum Qui-ti-bum

bum-bum-bum !!!

Bum-Bum!!

BUM!

 

Um poema-bomba capsulado em garrafa de coquetel.

 

A cultura popular, como dissemos, norteia a poesia de Tânia Lima. E, em especial, este livro, desde o título – instrumento, música e cultura nordestinas.

 

Catirina

Sobrevoa carnaval

 

Mateus dança

Caboclinhos

 

Reis e Rainhas

Vestem o frevo

 

Caboclo de Lança

Guarda carnaval

 

A Catirina é a personagem feminina movida pela alegria, pela descontração e pelo entusiasmo nos folguedos do Bumba-meu-boi.  Ela é aquela que, grávida, manifesta o desejo de comer uma língua de boi. Pai Francisco, seu marido, precisa cumprir esta missão, ainda que, pobre, não tenha uma só cabeça de gado.

Já Caboclinhos é dança da cultura popular pernambucana, muito comum durante os festejos carnavalescos, em que seus dançarinos fantasiam-se de índios.

O caboclo de lança é uma das figuras mais expressivas do carnaval pernambucano, chegando, por vezes, a ser tomado como ícone destes festejos populares. O caboclo de lança é a principal figura do maracatu rural, também conhecido como maracatu do baque solto.

O poema vale-se desta gama de caracteres populares pernambucanas para, de forma sintética e condensada,  em flashes  cinematográficos, projetar cenas de dança, música, folia, celebração.

Na esteira irreverente da canção “Samba dos animais”, de Jorge Mautner e Nelson Jacobina, bem como no ritmo apaixonante de Jackson do Pandeiro, temos

 

uma galinha

soprano

blues em

mi maior

solfejou: MI-AU !

do outro lado

vira-lata soletrou

UAU….!

 

A recorrência dos neologismos vai na direção do caldeirão das culturas mescladas, miscigenadas, misturadas, reverberadas, renovadas, recicladas. Tudo conflui para um festival de cores, sons,  danças,  saberes e sabores populares.

Tânia Lima toca seu berimbau e bota o leitor feliz da vida. Poesia da resistência feita com maravilhamentos, alumbramentos, descobrimentos. A felicidade tem nome certo: poesia de Tânia Lima.

 

 

 

 

 

 

 

 

A memória é uma espécie de cravo ferrando a estranheza das coisas, de Lau Siqueira

Amador Ribeiro Neto

 

Há muitos anos me ocupo da poesia do Lau Siqueira. E é um ocupar-me, friso, de imensurável deleite. Sua poesia me é companhia em casa, na sala de aula, nos congressos, nas viagens, nas redes sociais, nas férias, nos saraus. Eu a leio porque ela tem algo que me inquieta. E me dá prazer. Me provoca com suas inquietações. Com perguntas – existenciais e estéticas – que, de tão comuns, tão corriqueiras, monopolizam-nos com a força da arte. E da vida.

Lau é um poeta que sabe perguntar. Como sabe. Pergunta, sempre, de forma incomum, estranha, inusitada. Inverte ditados populares. Sacode trocadilhos sonoros em tramas semânticas. Pinça coisas, pessoas, lugares e comportamentos com uma visada de visagens. Mas também de objetividades. E aí mora um dos encantos de sua poesia – não importa se do livro de estreia, se do mais recente.

Bem, este arrodeio todo é pra dizer que a poesia do Lau Siqueira cutuca o leitor com vara curta. Desinstala-o da sua mesmice. Da sua modorra. Do seu cotidiano mal-e-mal. Sacode-o na violência e na doçura de imagens e ideias extraordinárias.

O prazer nasce desta provocação. Afinal, é aqui que a coisa pega. Aqui onde mora o verdadeiro poeta: no lugar em que a palavra poética se apresenta como sangue, carne, osso e tutano. Ou seja: onde a palavra se entrega como matéria bruta das mais intensas vida e linguagem.

Porque a poesia de Lau não se rende aos modismos facilitadores que entendem a poesia como emoção imediata. E descartável. Diluição romântica. Pieguismo. Mimimi. Lau está longe dessa onda de prosaísmos que assola boa parte da produção poética brasileira contemporânea. Ele sabe valer-se do coloquial sem ser banal. Sem resvalar para as imensas galáxias de vazios – considerados como poesia de nossos dias.

Sua poesia não consola. Não passa mão na cabeça do leitor. Não é de autoajuda. E nem manda recados altruístas. Antes: sabe valer-se de conteúdos carregados de significados. Sustança. Sabe que a forma informa. Que a forma é um modo de sublinhar o significado. Que a forma é enxada e perfume nos pampas da palavra.

Se em seus primeiros livros os experimentalismos de linguagem mostram-se às claras, agora, amainados pelo domínio de uma linguagem fluente e doce, entram-nos como que desapercebidos. Esquecemo-nos de que estão ali, sob a arquitetura harmônica e sublime dos andaimes que, em outros tempos, ergueram a mesma poesia – mas com garras expostas. Hoje, assimilados e incorporados, são o feliz resultado de atento trabalho aos sentimentos e ideias que a vida nos traz, a cada dia, ou de tempos em tempos. Afinal, são inumeráveis as errâncias nas andanças, contradanças e pesquisas de um poeta.

No caso, um poeta que nasceu no Rio Grande do Sul e que despontou na Paraíba há décadas. Aqui construiu outra fronteira de sua cidadania político-poética. Uma preciosidade gaúcha que a Paraíba soube cativar. E que hoje vive entre aqui e lá. Entre o agora e o ontem. O presente e a memória. Mão na massa fazendo história.

O poeta Lau Siqueira de hoje é aquele que carrega, escrito em sua camiseta, a memória poética como arma sideral direcionada ao presente. Aprendeu de cor e salteado a lição do poeta: “o presente é tão grande, não nos afastemos”. Detenhamo-nos no aqui e agora. A vida presente. A sua poesia presente.

A memória é uma espécie de cravo ferrando a estranheza das coisas (Porto Alegre: Casa Verde, 2017) extrai seu título dos versos de um poema do próprio livro. A memória não é um cravo ferrando, mas uma espécie de cravo. A singularização da memória a torna personalíssima. E aí, na subjetividade, habita o social. A voz de um é a voz de inúmeros. O uno e o múltiplo na câmara de ecos. Memória do poeta: sublime voz plural.

Outra rápida observação. O título segue: é uma espécie de cravo ferrando a estranheza das coisas – e não das pessoas. A estranheza das coisas é, por exemplo, a estranheza do mundo a ser descoberto. A materialidade da vida. Sua concretude.
Como a descoberta do mundo lispectoriano, por exemplo. E aí, Lau e Clarice, cada qual em seu diapasão, compõe a música da vida-via-linguagem.

No poema “Rua da areia” (p.21), temos:

 

nem dia

nem noite

 

apenas luz

e sombra

 

)            (

 

colibris

e vampiros

 

bebendo a

última taça

 

Na indefinição do tempo (nem dia nem noite, que remete o leitor ao chiaroscuro da pintura renascentista), o contorno fluido das pessoas, mix de doçura e agressão, pluma e chumbo. Afinal, são colibris e vampiros. Simultaneamente. E onde? Na histórica Rua da Areia, em João Pessoa, antigo habitat “chique” da cidade; hoje, zona de deterioração urbana, ponto e referencial de prostituição. A esta atmosfera de indeterminação de formas, luzes e sombras, diluição espaçotemporal, soma-se a sinonímia do vocábulo “areia”: partículas, grânulos, pó. Universo semântico remete o leitor ao rarefeito, efêmero, volúvel, frágil. Ao que se desmancha no ar.

Todavia, o poeta não fala apenas da rua em si, mas do eu enquanto metonímia da vida: geografia instável de assertividade e negação, matéria e não-matéria, corpos e sentimentos. Poesia – em A memória é uma espécie de cravo ferrando a estranheza das coisas – teu outro nome é dor, ainda que em argamassa com a alegria. Pluma e chumbo. Sangue e vinho.

Em tempo: os parênteses abrem-se no meio exato do poema, numa estrofe sem palavras, quem sabe para iconizarem um tríduo: pulmões, asas e bordas. Pulmões que sanfonam o vaivém do dia e da noite. Asas que sustentam, na tensão e na leveza, corpos no ar. Bordas da taça: vinho, vida, sexo, amor.

Já que tocamos no centro da cidade, o foco do poema “Porto do Capim” (p. 61) é o centro histórico, contraposto à orla marítima, em perspectiva bela e crítica:

 

a cidade de joão pessoa

nunca olha de frente para o rio sanhauá

 

talvez por vergonha das suas margens

 

a cidade não veste a pele dos que encharcam

os pés nas beiradas do porto do capim

 

onde as cheias aniquilam o pouco

dos que pouco possuem

 

onde os barcos atracam no assoreamento

e no abandono

 

onde um estupro urbanístico é prometido

pelos senhores de engenho das margens

 

os que arrancam as árvores porque

não acreditam nos pássaros

 

a cidade de joão pessoa

esqueceu seu nascedouro

 

virou as costas para onde a verdade

é o reflexo da lua nas águas do rio

 

um lugar onde o esquecimento solidifica

o barro no tempo e a beleza é o alimento

de cada manhã

 

 

O poema, dedicado “para as mulheres que lutam pela preservação do Porto do Capim”, é uma crônica da vida sócio-política da capital paraibana. Partindo das margens do rio Sanhauá, uma construção em leque abre-se para reflexões sobre o uso e (ab)usos da cidade, direitos e privilégios. Sem em momento algum abrir mão do zelo com a linguagem poética, o poeta iça o leitor com contundente questionamento: e o nascedouro, as origens, a história inicial da cidade? Tudo apagado pelo esquecimento? Pelo descaso? Por prioridades que marginalizam ainda mais os excluídos?

Por isso mesmo o título encampa a memória como recorte individual e coletivo, avivando senti(pensa)mentos de todo leitor. Ao abordar histórica e sociologicamente a ocupação da cidade, o poema fornece uma visada dos desmandos políticos que, com raras exceções, negligenciam as necessidades da cidade pobre, daqueles que insistem em dar vida aos sítios onde a cidade nasceu, às margens do rio.

Esta cidade originária é vista como escória para aqueles que têm, como perspectiva urbana, apenas a orla. Assim, o poema é arquitetado como um grito de alerta e denúncia. Sem, em passagem alguma, resvalar para o panfletarismo. Ou para a explanação didática. Com rara beleza de ideias e imagens, numa construção musical admirável, em que as estrofes dísticas se misturam a um terceto e a uma estrofe de um só verso, sublinha o que há de permanência e o que há de desigualdade na cidade  de João  Pessoa,  complexa quanto bela poeticamente.

No campo amoroso, o poema “Agosto” (p. 26), transcrito aqui na íntegra, revela que a dimensão transformadora do eu-lírico não aceita o afrontamento quando o que está em jogo é o amor: “ tu me afrontas / eu te acolho // vivo à flor da pele / não olho por olho”.

Na hora do jogo/embate e da transa/trama amorosos, o afrontamento é rechaçado pela tessitura  de comportamentos opostos que visam à desarticulação da agressividade do outro, convertendo-a em teia de afetos. Para tanto, a sapiencial inversão de um provérbio bíblico tem como finalidade apaziguar, serenar, cativar o outro.

Observemos que o substantivo “olho” pode mudar transmudar-se em verbo: “eu olho”. Melhor, ao “olho por olho” o eu-lírico responde com “eu não olho” por onde? “por olho”. Quer seja, ele não olha pelo olho. Afinal, (1) não lhe interessa a vingança bíblica “olho por olho, dente por dente”, (2)  interessa-lhe olhar não pelo olho, mas, quem sabe, pela pele, pelo corpo, pelo coração, pelos sentimentos.  É com um novo modo de “olhar” que o eu-lírico responde ao confronto. E, no plano formal do poema, a quadra – modo sublime da poesia lírica – é o espaço de que o poeta se vale para revelar sua generosidade. Seu amor.

Seguindo nesta linha de contrastes e confrontos – nada euclidianos –, temos o poema “Sertânica” (p. 30) que ilumina, deslumbra, inspira o coração do eu-lírico: “metade era / soco // outra metade / sopro // e tudo era tanto / pro meu coração / tão pouco”. A poesia enquanto condensação de ideias, imagens, sonoridades – como apregoa Pound. Eis uma das lições minimalistas de Lau Siqueira que leva o leitor a sentir-se de bem com a vida, com a literatura, com as artes. Dentro de um patchwork  da cultura sertânica. É o sertão ganhando o mundo pelas veredas dos sentimentos do poeta.

Muito ainda há a se falar sobre os poemas da primeira parte deste livro. Destaco “Sonhar entre as pétalas do teu corpo” (p. 41), em que o ato de fazer amor é entretecido por imagens e sonoridades em cópula de volúpias, prazeres e alumbramentos. É um poema longo, e aí reside outra particularidade que a poesia de Lau vem tomando nos livros mais recentes. O poeta saber ser minimal e sabe ter fôlego. Em ambos os casos sua poesia é rigorosamente expressão da condensação. Cada palavra é engenharia e engrenagem necessárias à maquinaria do poema. À máquina do mundo poético. À descoberta e revelação do mundo. Lau sabe disso. Por isso faz.

Os tercetos da segunda parte, dedicados a Saulo Mendonça, rendem justa e bela merecida homenagem ao grande poeta haicaísta brasileiro.

Como na maioria dos haicais feitos mundo afora, o universo sideral constela-se nas estrofes de três versos. Em tempo: Lau Siqueira dispensa o rótulo de haicai a seus tercetos. Mas em vários deles, não somente o universo temático desta forma de poesia está presente: também a sua essência poético-oriental a habita.

A clássica figura da lua cheia, tão cara aos haicaístas, aqui aparece como inusitado (ou quem sabe corriqueiro) alvo dentro de uma tranquila (ou insegura) noite: “Subúrbio tranquilo / miro na lua cheia / e atiro”. Aqui as vogais em “i” retinem os tiros. A bem da verdade, a rima toante é uma das constantes na poesia de Lau. Ele sabe extrair som de vocábulos abafados.

O universo sideral prossegue na linguagem ilógica e surreal do amor: “Palavras loucas / línguas conversando / no céu da boca”. Exemplo claro de que língua e boca, palavra e céu são matrizes do amor e da poesia.

À solidão da lua no céu, o eu-lírico acopla a sua, presa ao chão cotidiano: “sensação estranha / a solidão é uma lua / que me acompanha”.

Ainda o espaço sideral. Desta vez, do alto o eu-lírico fornece uma visão melhor do que se passa/passou na terra: “Subirei nas telhas / para ver garrincha / driblando as estrelas”. O contraponto do alto e baixo imprimem um drible às imagens do poema: o vivem entre solo, telhado e céu espelham o jogo em marcações geniais.O futebol ganha um belo terceto. E a rara poesia sobre este esporte passa a contar com um poema antológico.

Por fim, fechando o livro, ao comentar sua produção poética, o Lau presenteia o leitor com um texto em prosa que é uma fieira de maravilhamentos. É quando a poesia adentra a prosa e a torna leve, uma suave, sublime – prosa porosa.

A memória é uma espécie de cravo ferrando a estranheza das coisas é um livro que veio pra ficar na cena da poesia brasileira contemporânea. Bem como na memória e no coração do leitor.

 

 

Ladainha, de Bruna Beber

Amador Ribeiro Neto

Bruna Beber (Duque de Caxias-RJ, 1984), autora de A fila sem fim dos demônios descontentes (2006), Balés (2009), Rapapés & apupos (2010), Rua da padaria (2013 – que comentamos aqui no AP). Ladainha (Record, 2017) é sua mais recente publicação.

Começo com T. S. Eliot, para quem o “sentido histórico” faz com que “um escritor se torne mais agudamente consciente de seu lugar no tempo, de sua própria contemporaneidade. Nenhum poeta, nenhum artista, tem sua significação completa sozinho”. E mais adiante pontua: “Entendo isso como um princípio de estética, não apenas histórica, mas no sentido crítico”.

Pois é. História. Estética. Crítica. Qualidades inerentes a um poeta. Lamentavelmente não encontradas na poesia de Bruna Beber. Ela integra o grupo de poetas que desconhecem a história da poesia. Que ignoram poesia enquanto tradição e atualidade. E que, portanto, nada têm a dizer.

Um grupo que, sem ideias e sem projeto poético definidos, escreve à solta e salteadamente. Que faz reles uso do coloquial e deleta o poético. Mata a poesia pela via de pífio prosaísmo.

Os títulos das três partes de Ladainha já introduzem o leitor às facilidades/ falta de criatividade da poeta: “vidádiva”, “canseios” e “meu deos”.

Há quem queira ver em sua poesia o sinal da fragmentação, da rarefação, da banalização de nosso tempo – também chamado, com garantias teórico-acadêmicas – pós-moderno.

Sem dúvida há a possibilidade de se fazer esta leitura. O problema é que, no caso específico de Bruna Beber, ao se buscar a pertinência entre o texto e a falta de sentido referencial não se é convencido da pertinência (e nem da honestidade) de tais argumentos. E menos ainda de sua aplicabilidade.

Paulo Henriques Britto em Formas do nada (2012), por exemplo, faz grande poesia a partir da negação de sentido das coisas. Consegue operar um isomorfismo entre os poemas e o que eles referenciam. Produz um belo livro. Inquestionavelmente. Mas o poeta é daqueles (raros) que conhecem a linguagem da poesia e sabem como usá-la a fim de produzir uma poesia do anti, do nada, do belo.

Isso falta a Bruna Beber. E falta aos que louvam sua poesia. Nestas horas surge a questão: a quem pensam que iludem aqueles que louvam uma poesia desse naipe? Ao leitor, minimamente informado, não procede o chove-não-molha destes gratuitos elogios.

Ler Bruna Beber, e seus bajuladores, é imergir numa convulsão de clichês, lugares-comuns, estereótipos. Dissimulação e engano de “poesia” e de “crítica”.

Ladainha não é nada mais do que o título antecipa: repetição, cantilena, lengalenga, fastio. Isso mesmo: o livro é um enfeixamento de prosaísmos sem pé nem cabeça. Que em vez ao invés de despertarem o desejo de mais poesia, lançam-no na cova das frases feitas, anotadas em forma de verso.

De volta ao poeta de The waste land: “O fundamental consiste em insistir que o poeta deva desenvolver ou buscar a consciência do passado e que possa continuar a desenvolvê-la ao longo de toda a sua carreira”. Ou seja: o conhecimento da tradição é indispensável para a produção de uma poesia de qualidade hoje. Mas a tradição não pode ser entendida como continuidade da geração anterior, como adesão à sua cartilha, cegamente. “A tradição implica um significado muito mais amplo. Ela não pode ser herdada, e se alguém a deseja, deve conquistá-la através de um grande esforço”. Quer seja: ela envolve estudo, conhecimento, dedicação. E Eliot frisa: esse é o sentido histórico da produção artística, que ele entende como estético.

Tenho escrito aqui no Augusta Poesia que falta a certo grupo de poetas, aqueles que se identificam (consciente ou inconscientemente) com a Poesia Marginal, esta consciência histórico-estética. Prossegue o poeta de Os quatro quartetos: “o mau poeta é habitualmente inconsciente onde deve ser consciente e consciente onde deve ser inconsciente”.

Eis um dos erros de Bruna Beber: sem informação histórica e com um olhar chapado sobre o mundo, patina e não avança. Vejamos alguns poemas de Ladainha.

O poema 97, citado abaixo e na íntegra, apregoa que escrever é associar metáforas a bel-prazer. Descompromissadamente. Lançando ideias ao deus-dará. Certo: a geração frufru de nuvem de algodão adora. Tudo bem, geração. Mas fica a questão: cadê a poesia?

“O poeta utiliza, adapta ou imita o fundo comum de sua época – ou seja, o estilo de seu tempo –, mas transmuta todos esses materiais e realiza uma obra única”, pontua Octavio Paz. Bruna Beber parece não ter a menor ideia do que isso signifique. Exemplo:

 

 

Escrever é irmão

do andar e primo

do voltar, substitua

 

No inverno é bom

 

Escrever com calma

e inventar um cinzeiro flutuante

chegar e sair descalço do poema

 

No verão bombom

 

Escrever sempre

o tempo é uma mula elástica em fuga

e se conselho fosse bom

 

Sair na rua de moletom

 

O poema 79 usa e abusa do uso do recurso da definição – com inventividade zero. Assim como do verso refrão. A musicalidade de manual de poesia resultante da empreitada não traz nenhuma nova taxa de informação ao poema. E a última estrofe é uma pilhéria bem ao gosto do repertório da poeta:

 

Poder é  perigo

e hoje acordei

rindo

 

Dom é tom

e hoje acordei

rindo

 

Querer é criatura

e hoje acordei

rindo

 

Na cara a boca

na pia o prato

sujos de feijão

 

 

Poema 17 é um enxovalhado de verbos no particípio – recurso pobre. E a quadra final arrola  metáforas de gosto deveras duvidoso:

 

 

chamado seguido

alcançado e ladeado

freado, encurralado

enfrentado e açoitado

aproveitado e submetido

 

perdido

dobrado

sucumbido

 

tomado obtido

recebido e levado

envolvido, ocupado

abrangido e bifurcado

expandido e vencido

 

por uma interjeição

de ordem

ao dom:

 

oxalá puindo a roupa

do distúrbio, velando

como música ambiente,

peneira de catar a vida.

 

No livro há dois poemas “concretos”. Ou que almejam sê-lo. Não são. Não conseguem. Mais: revelam o desconhecimento dos princípios da Poesia Concreta.  Acabam sendo debuxos mal lavrados. Revelam, isto sim, o que a poeta sabe de poesia: nada. Ou: qualquer coisa é poesia.  Finalizando, segue o menor deles – visualmente falando:

 

 

só

só com

só com muito

só com muito vento

 

Seria interessante finalizar esta coluna frisando que Bruna Beber, depois de quatro livros publicados, deve ao leitor de poesia um livro de poesia. Mas é inútil. Que seja poupada. Afinal, não se espera, e nem se tira, leite de pedra.